Zuricato Entrevistas y txt

julio 19, 2009

Coiffeur: “No cerrar el juego, abrirlo”

Filed under: Uncategorized — zuricato @ 12:23 am

(versión sin editar del texto publicado en
Super45.cl, julio 09)coiffeur

Lanzando la Versión 2009 del Festival Solistas en Solitario –organizado por Quemasucabeza-, Coiffeur visita nuevamente Chile, da tres conciertos en un fin de semana y entrega detalles de su tercer disco pronto a salir, El Tonel de las Danaides”


De hoy en adelante no se hable más de Coiffeur como un proyecto promisorio, sino como una propuesta diseñada  por el ingenio relativista de Guillermo Alonso, de estética sólida e infranqueable. Pasados ya varios años desde su debut, el cantautor logra finalmente en su tercer disco -de próximo estreno-, aquello que ha estado buscando con insistencia. Se desarraiga de sus propias fórmulas, entrega pistas mínimas para armar un mapa gestáltico, apenas las trazas suficientes para completar el dibujo en el oído de cada uno de sus auditores.

¿Puedes adelantarnos algo de cómo viene tu tercer lp?

Me cuesta un poco hablar de eso. De repente, yo lo primero que busqué era  que tenga alguna especie de relato, no una cuestión así como introducción/nudo/desenlace en una manera forzada, pero si que de alguna manera que se encontrara eso, que no fuera explícito pero que estuviera ahí. Por otro lado,  lo que busqué también era que todo el tiempo se expandiera, por ejemplo que los títulos de las canciones no necesariamente se relacionen con las letras, entonces que el asunto fuera todo el tiempo una cosa de asociar y expandir, en vez de  anclar las cosas a un significado, hacer totalmente lo contrario, que cada elemento aporte algo para que cada mundito de cada canción dispare un montón de puntas, que nos sea algo unidireccional.

A mí últimamente lo que me interesa más, como cuando hablo de esto, es no dar una interpretación que sea única, sino que cada uno pueda llegar a armar su propio relato del asunto. En eso gira la idea para componer el disco. Por eso trato de ser cauteloso al hablar, por que quizás tengo una imagen del disco que no va a coincidir con nadie, es mi imagen del disco.

Hay harta información dando vuelta respecto del álbum nuevo, se publicaron cosas  como que viene en formato banda…

(ríe animado y sorprendido) Noooooo

…. que viene con arreglos casi orquestales o sinfónicos

Si, lo de los arreglos si es verdad, lo de sinfónicos, bah no sé,, jajaja… ahora estamos terminando de mezclar el disco y yo creo que para Septiembre, más o menos estaría. Sino en Octubre ya está.

Ha pasado bastante tiempo desde tu último lanzamiento

Si, como que cambió mucho la manera de producirlo, como que estuvimos así juntándonos y haciendo pruebas. Fue más relajado. Lo produjimos junto a Manza – Mariano Ezain-, que fue el mismo del anterior, pero ahora se sumó Juan Stewart en la producción…. Y se va a llamar El Tonel de las Danaides y creo que va a tener 11 temas como máximo, a lo mejor se va alguno.

¿Por  que ese título?

Estaba yo leyendo un libro, y en un momento menciona las Danaides . Me llamó la atención,  fui a Internet y lo googlié, y descubrí que eran unos personajes que forman parte de un mito griego, que cuenta la historia de dos hermanos que estaban peleados,   que para amigarse  deciden que todas las hijas de uno (las danaides) se casen con todos los hijos del otro. En la noche de bodas, el padre de las hijas les pide  que maten a sus novios, como castigo al hermano rival. Mueren los hijos y los dioses las condenan a ir con baldes y tirar agua en un tonel que nunca se llena. Cuando lo leí eso, me pareció que estaba super relacionado  con el carácter del disco, de las letras, con el espíritu que sobrevolaba en el álbum. Como en lo que se iba formando.

Tirar cosas a un tonel sin fondo suena como el disco de My Bloody Valentine, que lo grababan una y otra vez sin poder finalizarlo jamás, que Shields terminó perdiendo la cordura

No, eso es como un caso a nivel práctico. Yo lo estoy diciendo en cuanto al imaginario del disco, como que el mito conectaba con el imaginario del disco

El sello inconfundible de la guitarra rápida y nasal se ha deshecho. No se ven tampoco las alusiones bucólicas y concretas de paisajes o situaciones, sino frases de hermosa construcción fonética que dan leves luces de un contenido intencionalmente diluido. La función que da Coiffeur hoy a su lenguaje desistió de ser descriptiva como en Primer Corte, donde entre medio de un tono rápido y urgente narraba su cotidiano tibio y agradable. También renunció a la función apelativa de No Es, que en un pulso más  pausado dejaba escurrir las experiencias que se validan sólo en la intimidad con un otro.   Según adelantos filtrados en programas radiales e incluso lo entregado el Jueves en Cienfuegos, el trabajo lírico de esta tercera entrega es definitivamente desde y hacia un yo en creciente abstracción, de una primera persona que no requiere de un referente  para decir algo, quizás más reflexivo. Y justo acá el logro del cantautor, en hacer que el enamoramiento de Primer Corte y la rutina del querer en No Es, esté aun presente, implícita, en El Tonel : “Yo pienso que uno siempre habla de lo mismo, pero la idea es buscar otras maneras, no creo que sea tan explícito, me parece. Es como si vos usaras un catálogo de colores, y vos le vas buscando como ampliar la gama, como al principio es todo más o menos monocromático y después a medida que va pasando el tiempo, vas buscando encontrarle matices al asunto.

¿Más maduro? ¿viejo?

¿Más viejo? –pregunta, con cierto tono despectivo- no sé, últimamente me gusta así pensar que hago cosas de viejo, me parece divertido, me siento en realidad tranquilo. Pero no sé, hay muchos viejos que son muy inmaduros, no sé si la vejez tiene que ver con la madurez

¿Qué edad tienes?

28. Si me pasa que con este disco siento que llego a estar muy bien, muy conforme con lo que está quedando. Mucho más conforme que en otras oportunidades, muy satisfecho. Igual tengo como una especie de prejuicio. No sé como va a ser, pero me da un poco la idea de que la gente que le gusta mucho el primer disco,  éste último  no sé cómo se van a relacionar con él, no sé si se les va a hacer difícil o si no les va a gustar. Pero,  me parece que A MÍ ME COSTÓ, me imagino que a los demás también les va a costar. A mi, pasar de No Es para llegar a El Tonel fue una experiencia dura. Moverse implica dolor, el dolor es movilizante, una cosa implica la otra, y justamente lo que uno busca todo el tiempo es quedarse cómodo en los lugares donde está todo ya establecido. Entonces cuando vos ya te acordás de eso, entonces tenés que empezar a hacer de vuelta todo un trabajo de reconcebir cuál es el lugar donde estás parado. Es como cuando te mudás, llevas tus cosas y después tenés que recrear todo ese espacio en otro lugar, y todo eso es una experiencia media traumática, y esto fue más o menos eso.

Coiffeur descubre su voz como un instrumento de inesperada flexibilidad, cómplice entrenada en las nuevas armonías que propone para su guitarra. Entre sorpresa y creciente incertidumbre, Alonso previno ya a su público de su intranquilo dinamismo,  advirtiéndoles en silencio que jamás oirán en vivo  versiones clonadas a las registradas en estudio, pues en cada presentación entrega arreglos nuevos, adaptaciones que contienen tres o cuatro temas al hilo, sin descanso y observantes, la mayoría de ellos ralentados, sosegados a la fuerza de tanto tocarlos y no perder el interés por ellos en la rutina.  Es de esta forma que el catálogo del argentino se hace cada vez más pausado, aunque esto no implique necesariamente tranquilidad.

El año pasado me comentabas que había una sensación de algo pendiente tras el lanzamiento de No Es

En realidad lo que había dicho era que cuando estaba terminando No Es había tenido la sensación, mmm, como de que se había producido un quiebre. Que era un momento de quiebre que un poco me sugirió esa cosa de no ser, de no creer necesariamente en lo que se veía. Era algo que me había pasado a mí y que me disparó el terminar ese segundo disco.

Sin ánimo de faltar el respeto a la privacidad, ¿qué te estaba pasando?

En ese momento, era una cuestión así puramente creativa, de saber que a partir de ese momento iba a haber como un viraje, ¿no? Que parece que cuando salga este nuevo disco, cuando se escuche, me parece que se va a notar un cambio tan o más marcado que como pasó entre el primero y el segundo. Aunque tampoco quiero generar una idea de que lo próximo va a ser totalmente extraño, el soporte sigue siendo el mismo: una guitarra y una voz. Pero es verdad, ya me había aburrido de algunas cosas, y estuve como intentando extraer un poco las estructuras de las canciones y algunas armonías, alejarme de algunas cosas que ya había usado, intentando, porque a veces no es tan fácil despegarse de cosas que uno hace.

¿Habían cosas que ya te aburrían?

Si, las letras por ejemplo. Intentar así como ir hacia otros lugares o usar nuevas palabras, estaba intentando no repetir tanto algunas cosas que ya había estado haciendo.

Al menos en las canciones nuevas que mostraste el jueves se nota el cambio

Sí claro, y luego en el disco, con las cuerdas y digamos la producción, como que se abre más aún, se genera como toda una cosa diferente.

¿Cómo sentiste la tocata del jueves en Cienfuegos?

Estuvo buenísima.

Florencia Ruiz tocó allí hace poco y salió bien incómoda, comentaba que la gente iba a hacer vida social y casi ni les importaba el músico que estaba de fondo.

(Risas) Yo por suerte no escuché si hablaban o si no hablaban, así que mi impresión fue que estuvo bien bueno, pero si, hay veces que pasa eso. Yo trato de  no tocar mucho en bares, porque por lo general a los bares uno va a tomar y a hablar, así que no me puede parecer mal que la gente hable, sin embargo el lugar te predispone como a otra cosa, es distinto cuando vas a un espacio sentado en una butaca que te predispone a escuchar.

¿Qué esperas de tu público cuando te va a ver? ¿Qué estén en concentrado silencio, que coreen con euforia?

Mmm, yo no puedo esperar nada, siempre es lindo que haya como un feedback, algo que se retroalimenta, que haya un tensión puesta de ambos lados. Que yo esté de alguna manera como pensando y sintiendo qué es lo que pasa alrededor y que los demás devuelvan eso. Que se genere esa comunicación, pero esperar, la verdad es que yo no puedo esperar algo. Lo mismo que tampoco puedo esperar algo de los demás cuando saco un disco, en principio el disco lo hace para uno, bueno después si sale para el resto. No estoy diciendo que los demás no importen, te estaría mintiendo, uno también hace las cosas para que los otros las escuchen.

¿Te sientes cómodo tocando en Chile?

Si

¿Casi como en casa?

Mirá que en casa pasa que tengo tocatas hostiles (risas)

Durante este año has tocado bastante, incluso en festivales con gente bien diversa (Vetiver, Bloc Party)

Claro como en el Personal Fest, estuvo muy bueno eso, fue una experiencia bien movilizante, porque yo toqué en un escenario secundario y había mucha gente, y yo no había tocado nunca frente a tanta gente. Además fue con banda, el tiempo que te dan en esos festivales aparte es muy poco, entonces fue todo como muy rápido. Raro, así como la energía, ver tanta gente junta mandar esa energía fue muy extraño, el escenario estaba muy cerca de la gente además, los podías ver muy cerca.

Lograste hacer buenas migas con alguien más del cartel

En general, no. Los festivales es muy de entrar y salir, cada uno está en lo suyo. Por ahí me la crucé a Javiera (Mena).

julio 8, 2009

Javier Barría en sus palabras

Filed under: Uncategorized — zuricato @ 5:54 am
(publicada en otra versión para
Super45.cl, junio 2009

Foto Mila Belén

Foto Mila Belén

Se ha escrito mucho acerca del príncipe chileno del myspace. Se han armado frases sobreadjetivadas, se lo ha incluido en una potencial generación emergente de cantautores nacionales.  Se habla de que estudió música en la casa de Bello, que participó en varias bandas.  Se dice que desde el anonimato florecieron por si solas su canciones, sensibles, simples, pop y conmovedoras. De solo leerlo, me hago una imagen de un tipo un tanto pagado en sí mismo, compulsivo a lo Daniel Jhonston a la hora de componer y  autodifundir. Anonimato no necesariamente implica humildad. Tanto se ha dicho y escrito de Javier Barría que escucho sus discos desde el prejuicio, y los encuentro cumplidores, nada más. Y es que no he escuchado a Javier Barría, sino transcripciones intencionada de cosas que ha dicho.

Teniendo como excusa su reciente fichaje en la etiqueta chilena Independiente Infanta Terrible, me siento a conversar con el: finalmente aparece la genialidad. Javier como un tipo comun y corriente que no ambiciona trasgredir, ni lucirse en escena, sino alcanzar en notas propias las canciones gigantes que escuchó de otros. Bienintencionado, honesto, joven y sencillo, en vivo se levanta como el gran constructor de melodías que esta descubriendo que es.  Señores, a continuación no hablo yo, ni un periodista queriendo decir algo con las palabras de otro. Señores, con ustedes Javier Barría.

¿Te sientes parte de una generación chilena emergente de compositores?

Si, me siento parte. Durante mucho tiempo me sentí medio solo, hasta que empecé a conocer  por myspace a gente que tenía la misma historia que yo, osea grabar en la casa, querer hacer un disco, ponerle carátula. Y había un montón de gente en esa misma historia, pero que hacen música distinta. Quizás estilísticamente me siento un poco mas solo.

Por una cosa de aparecer en un mismo tiempo, se te ha ligado con Fernando Milagros, Natalia Molina, Chinoy.

Son re distintos todos y que compartido escenario con varios de ellos, y se ha armado una camaradería, una buena onda, mas que nada nos veo casi como compañeros de curso, todos hacemos lo mismo, que es hacer canciones. Eso el formato canción, por ese lado lo veo como una escena.

Hace poco estuviste presentándote en Buenos Aires, ¿Cómo estuvo la experiencia?

Estuvo super buena, es la segunda vez que voy a tocar. La primera vez fue completamente autogestión, sin ningún intermediario. Y la segunda vez aquí  ya tuve ayuda de una productora de Buenos Aires y otra de La Plata, así que tuve transporte,  alojamiento. Una me contacto por un amigo con que toque allá y la otra por el myspace. Me decían que estaban armando un ciclo, que si quería ir y termine tocando de Ciudad Vieja, en La Plata. Aparte toqué con músicos argentinos de Aca Seca Trío (http://www.acaseca.com.ar/) que hacen como folklore fusión, donde esta uno de los tecladistas de Pedro Aznar, que fu el que me contacto por myspace y el asunto. Otra cosa es que me di cuenta que hay un publico allá que me sigue, y que ha crecido un montón respecto del año pasado.

Como viste la escena cancionera de allá

Es que no tuve oportunidad de ver mucha música, me dediqué a full 5 días a  ir por algunas radios, a tocar, a ensayar.

¿Lograste percibir alguna diferencia importante entre nuestra escena emergente de cantautores y la escena actual rioplatense?

La diferencia mas notoria es la tradición que tienen ellos, la cantidad de historia y la industria, que es enorme comparado con la de acá, tanto la rockera, como la mainstream y la underground. Allá esta lleno de managers, de productoras, de bandas, de solistas también. Creo allá también hay un boom de solistas, desde poquito antes que acá, de cantautores de nombre y apellido, lo mismo que acá, allá se adelantaron un poquito. Es una diferencia mas que nada cuantitativa, en calidad estamos bien, no tenemos mucho que envidiar.

Mirando tu carrera, ¿Qué te sedujo a tomar primero, y mantenerte después en la gestión independiente?

Mmm, sabís es que nunca tuve opción en el fondo. Yo partí haciendo música y grabando  por mi cuenta de muy chico. Siempre estuvo la cosa de grabar, pero note que podía hacerlo mejor cuando empecé a grabar en computador, entonces como que seguí el camino en el que estaba no mas. Y no me lo tomé en serio nunca hasta hace poco, hasta hace tres o cuatro años, como hacer una “carrera” por decirlo así. Por eso me dicen “tenís 13 discos”, pero la mitad pa atrás ni los cuento eran un trabajo pa mis amigos, pa mi no más. No era un trabajo tan en serio… en cuanto a difusión y eso. Hacer música me lo he tomado en serio siempre.

Ahora viéndolo con el tiempo, lo que más me seduce de eso es lo de ser “my own boss”, no tener alguien que te diga “hay que cortar aquí el coro” o “por que no ponis  la intro así”, no tener productores, no tener nadie que te mande o te de cosas pa cumplir en la radio, no se. Puede ser bueno o malo, pero ser el último filtro uno mismo. Me interesa seguir manteniendo eso de hecho.

¿Entonces por que después de tantos discos autoeditados te decides a lanzar un disco bajo una etiqueta?

Por que me interesa ya profesionalizar la parte de difusión y todo en el fondo… ahora me interesa hacer una carrera de esto, por que ya no veo vuelta atrás. Después de tener el oficio, la experiencia, aparte que disfruto mucho de esto. opté por hacerlo en las mejores condiciones, poder llegar a más gente, grabar en mejor calidad, eso siempre es bueno, creo. Esas fueron las cosas que mas me interesaron de la propuesta, poder terminar el trabajo en un estudio, y  pasterizar, que nunca lo había hecho.

¿Cómo se siente el cambio en la gestión?

Se siente como haber  cumplido una etapa, creo, o haber cerrado una y pasar a otro escalafón quizás. Como ir ascendiendo, como los futbolistas, de segunda a primera. Ahora mi música nunca la ha movido la ambición tampoco, partí haciéndolo en el anonimato hace no mucho tiempo, solo que me di cuenta que puede funcionar y que puede ser un buen trabajo, espero como que mejore en ese sentido.

¿Cómo te enfrentas al tema de la promoción, de los singles, videos, radios, el desgaste de las entrevistas?

Me lo he tomado tranquilamente bien, ya había dado entrevistas por mi cuenta, me habían llamado pa saber de mi trabajo, entonces con el tiempo uno se va haciendo como un discurso, un training. Y de repente me prepare también, escuche harto el disco cuando estuvo listo, pa cachar como lo van a recibir o por donde enfocarte. Entonces, lo he tomado bien, ha sido harta pega, hay que combinarlo con ensayar pal concierto y todas esas cosas. Del desgaste, no me ha pasado, por que precisamente esto de tener un sello y todo esto ha dado pie para que salgan preguntas novedosas, que no me habían hecho antes, que me preguntaban de myspace y lo mismo de siempre (jajajajaj), me han preguntado cosas mas interesantes igual. El otro día alguien me pregunto por mi discografía, onda disco por disco, algo que nadie antes se había fijado. Y yo  ni me acordaba a ratos de lo que me preguntaba, entonces ha estado super bueno, como ejercicio, y supongo que de esto se trata pasar al segundo peldaño, hay que hacerlo bien no más.

A propósito de ese nuevo peldaño, y más allá de la gestión  ¿Introducción a la Geometría también marca un cambio en el enfoque creativo de tu trabajo?

Si, y eso en lo que mas lo noto, es que  este disco lo hice sabiendo ya que habría un sello. Es decir el disco no existía, en un comienzo la idea era reeditar alguno o hacer un compilado con nuevas versiones, entonces les dije “Prefiero hacer algo nuevo, se que voy a hacer algo nuevo,  espérenme un año, voy a tener algo”. Y no fue ni a presión ni nada, salio natural, las once canciones del disco, de hecho salieron más, eran 14. Entonces igual  en el proceso de componer yo ya sabía que iba a tener un proceso de difusión, que iba a ver un público. Lo notaba al estrenar los temas en vivo o cuando los subía al myspace. Y eso fue  distinto, saber que hay algo de expectativa, o que se espera algo de uno, no se, cierto tipo de canciones. Y aun así salio bien distinto de los otros.

¿Responder a expectativas?

Claro, no iba a hacer cualquier huevá tampoco pos (risa algo nerviosa), o sea, si pasaba 6 meses y no tenia ningún tema, no iba a hacer algo pa cumplir. Pero fui muy ordenado y meticuloso (sonrisa satisfecha) , y salio todo muy natural, no me presione nunca por ninguna, ni dije “esta debe ser un single” ni nada así.
¿Entonces Introducción a la Geometría en la Mano marca un punto de inflexión hacia atrás respecto de la composición?

Yo creo que sí, aunque encuentro mas inflexión en el anterior, Ciudadano B, que esta hecho con la misma rigurosidad y minuciosidad que este, solo que esta grabado en peores condiciones. En cuanto a la forma de hacer las canciones, y de notar que hay un público que no son solo tus amigos  ni tus compañeros músicos.  Como que ya  hay una gente que no tenis idea de donde llega, y conoce las canciones, y las baja y las tiene en su pendrive, eso empezó en el anterior.

¿Qué se ve desde este punto de inflexión hacia adelante?

Siento que  hay muchas canciones que me gustan harto, y que a esta altura en los conciertos hay que meterlas de alguna forma, que no son hits pero que la gente te dice “por que no te tocai esta”. Veo que hay un montón de donde elegir pa tocar, del 2005 en adelante. Hace un tiempo yo tocaba las de la época nomás, las que estaba haciendo, las que  tenía en la cabeza. Y ahora hay como un repertorio, y eso espero que se mantenga, que me valla, bien, pa tocatas, pa pensar en otro disco. Espero seguir haciendo  discos buenos,  bien hechos, no quiero llegar a hacer gueás por hacer. Espero que no decaiga la inquietud.

Frecuentemente hablas de la importancia de tus letras , de un sello propio a partir de ellas

Igual me han dicho harto  que las letras  son  melancólicas, tristonas, bajonas. La verdad es que yo igual escucho harta música bien de esa forma, por ejemplo los Smiths en la adolescencia, ya como pa matarse pos (risas solidarias). Ahora último escucho harto Leonard Cohen, las letras del  como un referente muy importante. Y esa es una opción estética también, no es que yo sea un  gueón depresivo, no soy el más feliz del mundo tampoco, pero siento que hay un color en particular entre la música y la letra que sale de esa combinación, y me han ido reconociendo por eso, y me gusta. Me siento satisfecho cantando eso.

Me gustan mucho las letras bien pa´dentro, no eso de “vamos a bailar” o let´s rock”, me es muy personal el cuento de escribir, como muy en primera persona.

Citabas entre tus influencias a Morrissey, a Jeff Buckley, a Radiohead, ahora hablas de Cohen, todas propuestas bien duras estéticamente.

A mi me atrae mucho eso, me gusta la poesía tb, Alejandra Pizarnik

Sin embargo eso no se nota en Introducción a la Geometría,

Es que en el último no era la idea. Traté de hacer un pequeño quiebre. Si, por que los conciertos ya estaban pa matarse, me dijeron eso más de alguna vez.

Lo siento mas emparentado  a la vertiente de influencias argentinas  a la que también te refieres con frecuencia.

De hecho, en el disco concientemente traté de recuperar eso, es la música que escuchaba a los 14-15 años. Hay un disco del 91 Luis Alberto Spinetta, el  Pelusón of milk,  que tenía esa onda de maquinas y guitarra acústica, que fue referente importante pa Geometría, aunque al final no termino tan pareciéndose y termino yéndose pa otro lado. Concientemente  la idea era cambiar la temática o el tonito de las canciones.

Leyendo lo parte de tus entrevistas me encontré con esta cita: “no me dedico a la pirotecnia instrumental ni vocal, no tengo un target de público definido, no me interesa sonar en las radios de consorcio (pero tampoco es malo si pasara algún día), ni menos tratar de revolucionar la música chilena… Así que estoy tranquilo”. ¿Qué quiere Javier Barría entonces?

(Certero, alegre e inmediato, responde) Hacer buenas canciones (más risas).

Tratar de llegar a hacer canciones como las grandes canciones que escuche en mi vida. Y cuando uno las hace es difícil darse cuenta por que uno esta adentro, pero  si empezai a notar que gente te dice “oye esa cancion la cagó”, que emoción. Igual tiene que ver un poquito con la distancia, por que yo puedo notar en canciones del 2005 “uta que es buena esta hueá” la disfruto mucho tocando, de este disco  no  tengo la distancia suficiente pa ver que quedará y que no.

Finalmente, como sientes será la aventura en tu carrera hoy a partir de Introducción a la…

Me  gustaría tener una carrera bien pro, bien hecha, con buenos conciertos  en buenos lugares, me gustaría salir fuera de Chile, Argentina, España, y a regiones, que uno en santiago  ya se empieza a viciar de los mismos lugares. Y hacer buenos discos, poder darle un tiempo a la factura de los discos, que este discos se hizo entre ratitos de tanto tocar. A lo mejor tomar un mes para dedicarse a un disco, que siempre la música ha sido lo que hago entre medio de lo otro, de tocar covers o hacer clases particulares de música. Me gustaría que la música me permitiera tomarme esos gustos, de hacer lo en mejores condiciones.

Mi ideal, a lo mejor si se puede una vez que pase el lanzamiento, seria hacer una pagina o un blog pa dejar todos los discos, todo en descarga, bajable, y no fabricarlos más por que es pega y plata fabricar los discos.

Eso no te lo iba a preguntar, pero ya que lo dices tu mismo ¿para que meterse en un sello, a imprimir discos de plástico, invertir en carátulas, mandarlos para afuera, si ya el formato cd prácticamente murió?

En realidad, yo quería, un poquito antes de la debacle discográfica, quería tener un disco bien hecho, onda pa poder mirarlo y decirle a mi hijo, Mira esto hice un día…  de hecho el próximo disco lo quiero subir, este o el otro año, gratuito. En el fondo fue por darme un gusto de tener un disco “como se hacía antes”.

enero 3, 2009

Coiffeur en FSS 2008: Sapere Aude!

Filed under: Uncategorized — Etiquetas: , — zuricato @ 3:39 am

2008, mayo 15 / indie.cl

coiffeurPor: Rodrigo Pérez. / Fotos: Pamela Albarracín.

El cantautor Argentino, de 27 años, firma su renuncia a 5 años de conservatorio de música con la misma frase que escribe en sus autógrafos: Sapere Aude. La frase significa “Atrévete a saber”; e invita a “Tener el valor de usar la propia capacidad de pensar”. ¿Qué más se puede preguntar a alguien que dice todo en sus discos? Lo evidente, por obvio se calla y luego se olvida. Lo que viene a continuación empezó siendo una entrevista a Coiffeur, sin embargo -a tropezones con el pudor-, terminó siendo un retrato de Guillermo Alonso, el compositor atrás del nombre de fantasía, el hombre que se resguarda tras la aparente evidencia de su entrega.

En estos años has pasado por Chile, Uruguay y algunos sectores de Brasil ¿Cómo has sentido la experiencia fuera de casa?
En Uruguay me fue bien, fui varias veces, incluso toque en un ciclo de cantautores – y la verdad es que estuvo bueno-, pero aun no pude hacerme una imagen de la movida. Me da la sensación de que acá hay algo un poco más contundente, si bien es algo dentro el underground. Me da esa impresión, como que en Uruguay siento algo más disperso, si en realidad todavía no hay algo conciso. Yo llegué a Uruguay porque me invitó Dani Umpi a tocar como soporte en la presentación de su disco, y todos los lugares en que estuve fue un poco a través de él, y toqué en bares de gente conocida y esas cosas. Por eso, si uno llega de esa manera, no se si tengo criterio como para hablar de la movida en Uruguay ¿entendés?; porque a veces uno no sabe si supo conectarse con la escena del lugar o si realmente no hay una escena. Y si bien ellos tienen una cultura de cantautor, no sabría como explicarte esa discontinuidad que siento. Bueno y acá, siempre que vengo, me siento cómodo. La verdad ya tengo amigos y como que disfruto mucho viniendo. Me encanta. Y en los recitales también me siento muy cómodo, como que aquí hay una buena predisposición en la escucha, como que hay interés. Siento que me puedo llegar a conectar, como que se ha logrado siempre un clima en la fechas de acá.

¿Cómo sientes al público chileno?
Son así como muy… (sonríe entusiasmado y abre los ojos), yo no se si son mis amigos que gritan muy fuerte o es la gente que se muestra muy fervorosa, pero muestra que le gusta lo que le estás ofreciendo, y eso esta bueno. Eso va en los dos sentidos, por que de la misma forma que recibís el silencio y el respeto, después recibís los aplausos. Percibo que hay como un respeto, viste, lo digo en el sentido de que cuando alguien se sube sólo con una guitarra, como que la gente se predispone y se aventura a entrar en ese viaje. Eso es lo que yo siento.

En las presentaciones del año pasado tocaste casi integro tu repertorio en versiones más reposadas, aún de aquellas canciones reconocidas por su rapidez y urgencia… incluso una canción que no querías tocar ¿Responde esto a un cambio en particular?
Es verdad… y lo que pasa es que es un poco de todo. Un poco del momento personal y musical también. Es como que de alguna manera me estaba interesando elaborar otro tipo de cosas, que quizás se distancien un poco de lo que es el primer disco. Y bueno, voy más por ese lado, y el próximo disco también va por ese lado. Puede que sea como un punto de viraje.

 

En una entrevista -hace poco- dijiste que te sentías más ligado al punk que al folk, por la forma de pegarle fuerte a la guitarra
…Y esa es una entrevista vieja (risas)… justamente ahora me esta pasando lo que te decía. Lo que generalmente me pasa es que me aburro rápidamente, y lo que necesito es ir variando los temas un poco, entonces voy haciendo versiones de las canciones como para reencontrarme con la esencia. Necesito volver a encontrarme con la canción desde otro lugar ¿me entendés? para volver a conectar con lo que fue el germen. Pero es porque me aburre, me cuesta mucho repetir los temas de la misma manera que están en el disco, después de un tiempo me canso y debo buscarle una vuelta de rosca.

Pero en Argentina usualmente tocas con más gente, con banda de apoyo…
Nooo, en Argentina toco la mayoría de las veces solo y las menos con banda. En realidad toco con apoyo cuando se presenta una fecha que es como en escenario, más grande, o en alguna situación que me permita llamar a músicos, que serían Juan Stewart (ex músico de Jaime Sin Tierra) que es el dueño del estudio donde grabé, con Mariano Manza que es el que produjo el disco, con el hermano de Manza que tocó en el disco, y con Gabriel que es el otro que también estuvo en las sesiones del disco

Más allá de estos músicos ¿Te haces parte de una suerte de escena neo Folk?
Es medio complicado; porque, por ejemplo, yo antes tocaba guitarra eléctrica en una banda por ahí cerca de Morón (una comuna de la capital federal) y esa banda de repente era como una especie de comunidad que se conocía con otras bandas, en la que todos nos conocíamos entre todos. Y así todos tocábamos por la zona y se organizaban fechas entre las tres bandas, y cuando a mi me hablan de escena lo entiendo como de ese lado, de estar cerca de una comunidad con una forma de pensar o actuar parecida, un vínculo emocional, político y filosófico, por decirlo de alguna manera. Y a mi me pasa que de repente somos un montón en Capital (Buenos Aires) que estamos tocado todo el tiempo, pero no está esa vinculación; sabemos quienes somos, nos respetamos, pero no tenemos eso de compartir toda una experiencia de grupo… cosa que me parece perfecta, pues no tiene por que ser así y ser iguales y movernos en manada. Respondiendo un poco a la pregunta, yo no siento que seamos realmente una escena desde ese punto de vista. A lo mejor, si lo somos si uno quiere agarrar a las bandas y hacer una lista de gente que compone canciones y que sale a tocar un formato tirando a lo acústico, y claro, de esa forma es posible armar una escena, pero en el sentido que yo te comentaba no.

Y respecto del refortalecimiento acústico internacional, Sufjan, Devendra, José González…
Son todos gente que yo escucho y que admiro, pero yo no me puedo sentir parte de eso si ni siquiera comparto un idioma, entendés. José González y Johanna Newson fueron como los dos recitales que vi el año pasado que me parecieron superiores.

 

¿Qué te inquieta hoy artísticamente?
Que pregunta compleja (respira)… a mi por lo general lo que me pasa es que siempre me interesaron, desde adolescente que escuchaba bandas, sentirme atraído por las bandas que en cada disco presentaban como un mundo nuevo, y me encantaba eso. Me parecía súper estimulante. De repente es como algo que yo rescato, como mi juego creativo, me interesa reivindicar esa idea. Por eso me interesa que en cada disco haya una especie de cambio, una vuelta de rosca. Y de repente, a mi lo que me pasó con “NO ES” es que cuando yo estaba en el estudio y lo terminé de grabar, yo sabía que en ese momento iba a haber como un giro de volante abrupto y que lo próximo iba a venir con un cambio bastante grande. Y de hecho después de “NO ES” hubo todo un período que para mi fue (piensa, da una pausa) de alguna manera doloroso y un poco traumático. Es como que en un momento me encontré en una situación de decir “bueno… a mi lo que me esta pasando es esto… y tengo que lidiar y tengo que hacerme cargo de este cambio ¿me hago cargo o no?”. Y de ahí parte un poco el tema del disco, de no ser, del juego de identidades de ser y no ser, de “no es Coiffeur”. Había por ahí una cuestión así como de decir bueno, esto es lo que se hizo hasta ahora, pero a partir de este momento no me contiene en su totalidad. De ahí viene el juego que yo hago de reencontrarme con lo antiguo en mi presente, con las cosas que voy reformulando, como con las preguntas que me empiezo a hacer y la búsqueda que van detonando. Para traer el pasado, reformularlo y expulsarlo con lo que me esta pasando en este momento, con los conflictos presentes.

Sin embargo, en tus líricas se notan dudas, impaciencia, pero no precisamente conflictos incapacitantes o dolor…
Justamente eso es lo que yo te decía. Hace un tiempo leí una entrevista en que le preguntaban a Foucault por sus libros, y entonces él hablaba de la acción y del ser atravesado por la acción, y de cómo la acción a uno lo iba modificando. Y a mi me parece que lo que me pasó fue -un poco- eso. De repente hacer los discos es como tomar acción y que esta te impulse, hay que poner el cuerpo para recibir el golpe y que este te modifique. Y eso inevitablemente me fue llevando a otros lugares musicales, y también líricos, yo creo que con el próximo disco -para mi- va a ver un cambio importante. Pero una cosa es como yo lo vivo interiormente, y otra es, como vos escuchas el disco después, y capaz que digas “y bueno, no cambio tanto”… pues no sé como lo van a recibir los de más, pero para mi si fue un momento fuerte.

Con respecto al rumbo artístico que preguntabas, empecé a leer muchísimo, por que me sentí muy limitado en mi escritura, y todo este tiempo leí mucho, mucho; es que de repente me encontré repitiendo palabras y eso me hizo sentir muy limitado y no me gustó. A eso me refería hace un rato, a que la acción sienta un precedente: si yo no hubiera hecho eso, dos discos no podría decir “uy, me aburrí de usar esas palabras”, eso también te va comprometiendo. Y bueno me paso eso, también a nivel compositivo y armónico, como que tuve la necesidad de correrme un poco de donde venia jugando, de probar nuevas sonoridades, no en el sentido tímbrico sino en el armónico, es decir, melodías en las voces o acordes, y eso es lo que se dará como resultado lo que estoy preparando ahora, en lo que voy a empezar a grabar.

Da la impresión en tus letras que eres un tipo muy curioso en todas las expresiones artísticas
Me interesa. No tengo mucha capacidad para expresar así las ideas con claridad, me parece que hay gente que lo logra de una manera mucho más efectiva. Me interesa mucho el cine, me interesa mucho toda disciplina creativa. Uno siempre puede crear analogías entre lo que uno hace y lo que ve en otras disciplinas y eso como que te va enriqueciendo. Lo que hago simplemente es compartir mis inquietudes. Yo a través de este juego creativo voy buscando algo, cosas que me entusiasmen para después compartirlo. Si alguien de repente con eso que uno hace logra inquietarse y descubrir algo nuevo, ufff, es como lo mejor que puede pasar; pero yo no me puedo hacer cargo de eso, yo me hago cargo apenas de lo yo hago conmigo.

 

Lo comentaba por que usas múltiples referentes, como el latín o Foucault, con la misma naturalidad que hablas de montones de discos, películas o Fútbol. 
Uhh, jajaja, en el fútbol soy muy malo, no me gusta demasiado. En este último tiempo, de vez en cuando, veo un partido, me interesó un poco, pero la verdad es que nunca me sentí muy atraído por el fútbol. En esa canción tiene más que ver con utilizar eso como un elemento para contar una historia y generar algún tipo de fricción.

Nunca -en tus discos- hablas en tercera persona, siempre en segunda…
Si claro, en realidad a mi me interesa abrir el juego, no cerrarlo, y si de alguna manera especifico el genero, se perdería. Y a mi en ese momento no me interesaba cerrarlo, sino que cualquier persona pudiera empatizar con la canción, en el sentido de decir “bueno, esta es una canción que se la canta alguien a alguien”, un hombre a una mujer, una mujer a otra mujer, quien a quien, o una persona a un objeto… también puede ser a un objeto que  te sea importante. No sé, yo tengo un vínculo bien especial con los libros antiguos, me encanta encontrarme con una hoja desgastada, o en las ediciones viejas -por ejemplo- las letras están impresas con textura, como si tuvieran un relieve por la escritura con presión, como si pudieras ver la pulpa del libro y ¿por qué eso no puede ser –también- una especie de vinculo amoroso con el objeto, no?

Da la impresión de que el primer disco era cotidiano, enérgico e impaciente, del mismo modo que el segundo fue hogareño (incluso con referencias a la familia) aunque un poco más impaciente, nunca cayendo en emociones desgarradoras o dolorosas explícitamente…
De repente “Feriado”, que es el tema que habla lo del padre –que tampoco es tan literal, sino más simbólico, refiriéndose al padre interno-, me parece que es el punto donde entra el conflicto con el primer disco, donde entra una cosa de empezar a compartir con otro tipo de sensaciones. El primer disco (“Primer Corte”, Independiente, 2005) está más enfocado al enamoramiento, a la fascinación con el objeto en su primer momento, como cuando uno no le encuentra defectos. Me parece que el segundo (“No Es”, Estamos Felices, 2006) vuelve sobre el objeto, pero ya con una mirada mas reflexiva, que es el momento de justo después, en “Que Mala Suerte”, que es donde la paciencia se acaba un poco, jeje. Después de todo es una lectura mía de una canción o un disco, y no me gustaría que fuera la absoluta: yo creo en la subjetividad y mientras más lecturas se puedan hacer, mejor yo creo. Igual el disco que viene no va a ser desgarrador.

¿Cuáles son los contenidos que hoy por hoy te mueven?
En realidad, va a ser un disco en el que estoy explorando un poco el tema de la canción, pero desde un lugar como más sinfónico, con arreglos y esas cosas. No tengo demasiado claro que es lo que digo y no me interesa dejarlo claro. En realidad, repensando la pregunta, no me considero como artista. Tampoco un músico. Cuesta responder esto… Lo que me mueve es intentar superarme como persona… que complicado… lo que estoy sintiendo es que esto se va trasformando en una manera de concebir las cosas y luego reconcebirlas desde lo que encuentro de ellas desde fuera. De volver a enfrentar las cosas pero después de otro lugar. Lo que me moviliza es ir redefiniendo mi entorno, del mismo modo como me voy redefiniendo a mi mismo, en mis experiencias creativas. Es un ciclo, se me ocurre como un espiral como ir siendo e ir mirando las cosas de distinto lugar.

Dragonette en Chile “Take it like a woman”.

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2008, mayo 15 /indie.cl

dragonettes por vito gandolfo

dragonettes por vito gandolfo

 

 

Por: Rodrigo Perez. / Fotos: Victor Gandolfo.

Dragonette es una banda de electro pop rock, formada por cuatro canadienses que hace un par de años se mudaron a Londres, en donde levantaron gran interés de los medios musicales, quienes junto con bautizarlos como “la nueva promesa sexual del rock”, también tapizaron su camino a festivales de gran importancia como Summercase o Glastonbury, del mismo modo que promovieron su aterrizaje en mega conciertos con New Order o la gira gringa de Duran Duran. Y todo esto con sólo un disco en las tiendas. Del fenómeno y de este corto tiempo hablamos como único medio –en exclusiva- con Martina Sorbara, vocalista de la banda, minutos antes de salir al escenario del Bar Constitución.

¿Como te sientes acá en Sudamérica?
En realidad queríamos estar por acá hace bastante, y en realidad nos gustaría poder quedarnos mas acá en Chile. Apenas estuvimos dos días y se siente poco, hay muchas cosas para ver aun, jaja.

¿Ya pasaron por Brasil?
No, vamos para allá ahora, pero ya hemos estado antes allí, porque Dan Kurtz (bajista y productor) es brasileño.

¿Qué siente una banda tan joven tocar con bandas de la talla de New Order y Duran Duran?
El show con New Order fue terrible, nos sentimos terribles, la gente que va a verlos es tan oscura y desganada, gente demasiado tranquila y hasta deprimida, como si fuera gente que sólo se sienta en sus computadores y de negro… y nosotros éramos como “ay ihh” (hace un gritito agudo e infantil) jejeje. En realidad, con ellos fue sólo un show, pero con Duran Duran fue impresionante porque fueron más de 20 presentaciones y fue muy muy agradable.

Pero con los miembros de las bandas, ¿Cómo fue esa experiencia?
Bueno con New Order fue sólo un show y la verdad ni siquiera alcanzamos a hablar con ellos. Pero con Duran Duran fueron hartos shows, nos veíamos más y como a ellos les gustaba la música que nosotros hacemos, fue definitivamente distinto. En realidad, no creo que New Order supiera siquiera quienes éramos, jaja.

La prensa usualmente los pone al lado de No Doubt, Scissor Sisters o Eurythmics, ¿Cómo reciben eso?
En realidad, no siento que seamos muy como ninguno de ellos, pero creo que para hacerse una imagen uno tiende a categorizar cosas en la cabeza, y me parece una buena categoría en la cual aparecer, porque en lo que hacemos hay varios elementos de varias propuestas musicales y finalmente la gente sigue lo que tiene conexiones más cercanas.

Tu vienes de un background musical más cercano al Folk, sin embargo, tu esposo Dan viene de la escena electrónica ¿Cómo logran la mezcla y el balance?
Siempre escucho mucha música distinta, y la electrónica era parte de eso, pero yo creo que aún sigo escribiendo canciones bien Folk. Aunque las arreglamos como dance music, las canciones siguen viniendo del mismo lugar. De repente la gente me dice “que loco que estés tan diferente y cambiada”, sin embargo yo soy la misma persona escribiendo las mismas canciones. Puede que la gente que esta cerca de mi sea distinta; es una colaboración… sin embargo mi parte sigue siendo la misma.

¿Cómo la formación original de dúo (Dan y tu) termina siendo un grupo?
Tal vez sea que ahora estamos más atentos y conciente de lo que queremos hacer, pues antes sólo nos divertíamos todo el tiempo, sin hacer las cosas tan demasiado en serio, jugábamos con los sonidos… antes era sólo por diversión, por jugar, pues ambos hacíamos otras cosas diferentes. Y ahora entendemos mejor que escribimos música bailable, no música en broma, queremos decir algo en los temas, que ojala le gusten a la gente.

Tal vez eso sea lo que llama la atención de los medios, que los describen como “una bomba de sensualidad” 
En realidad no entiendo. De verdad, yo creo que es bien freak toda esa cosa de que somos “una bomba sexual”, porque hay sensualidad y sexualidad en toda la música, pero los medios le dan mas duro a la tecla de la sensualidad en la música hecha por mujeres. Pero el “tipo de sensualidad” que yo tengo no tiene mucho que ver con poses sensuales de calendario, la gente no está muy acostumbrada a una mina más sensual y rockera, que no sea 100% perfecta… y no soy muy pop en ese sentido, no soy Rihanna, que es muy muy muy sexy. No creo que a ella le pregunten tanto de la sensualidad en su música, ni en sus videos, cuando se esta toqueteando todo el rato, y sin embargo no le preguntan siempre esto en las entrevistas. En realidad no estoy de acuerdo con eso, sólo que es una forma diferente a la acostumbrada de expresar la sensualidad, y puede ser que eso llame la atención, no sé.

Al principio ustedes se movían en la escena canadiense, que tiene por contemporáneos a Arcade Fire, Broken Social Scene o The Dears, como se insertaban en eso?
No estábamos en esa escena. Dan produjo algo para Feist. Pero no éramos parte de esa escena, conocíamos a algunos de ellos, una vez fuimos en gira con The Most Serene Republic, pero nada más.

Posteriormente ustedes se mudaron a Londres, donde se encontraron con otra escena musical bien fortalecida…
Londres es muy mucho más difícil, hay más de todo: más músicos, más lugares… es más duro, pero es un desafío. Ya hemos estado dos años allá.

¿Tienen algunos compinches músicos ya por allí?
No, nuestros amigos son otra gente, ningún músico, jejej.

Se me hace difícil creer eso, pues su opción musical es definitivamente amigable, llama a reunirse y bailar…
Me gusta hacer música bailable, pero no escucho música bailable la verdad (risas).

En este momento entra la productora del evento, diciendo: “Just one more question, please”.

¿Que hay de la cooperación con Cindy Lauper?
Escribimos una canción con ella, juntos, y la amé a ella. Sin conocernos mucho, ella vino a Londres a escribir con nosotros, yo estaba bien asustada de que cancelara en cualquier momento. Su manager nos llamó, y todo funcionó muy bien, lindo. Debe salir en su próximo álbum (“Bring Ya To The Brink”, a lanzarse en mayo) y se llama “Grab a Hold”.

QuieroStar: Revisión electrónica desde la vista espacial

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2008, abril 19 /indie.cl

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De la mano de QuieroStar, la banda formada por los Djs residentes del ex Club Bizarre y la ex Panoramix Sofia Oportot, revisamos la efímera escena electro en el Santiago de comienzos de siglo. Del mismo modo reconocemos la excelente salud para este sobreviviente electro-pop, su pronto lanzamiento discográfico, y su actual apuesta radiofónica

 

¿Se sienten parte de una escena electro-nacional?
Sofía (S): Al parecer hubo una escena en Chile y países colindantes como Argentina o España, donde el electro-pop tuvo su despertar, y la gente lo empezó a conocer, y también empezó la era esta de los computadores e Internet donde todo se empezó a hacer mas fácil con las maquinas. La gente se dio cuenta que no necesitaba tener una banda en el garage de su casa para hacer música o una canción, que por no ser músico electrónico ésta iba a ser una cosa como hermética, que se podía hacer música pop en el computador y, por que no, también en Chile. Eso se convirtió en una moda y allí empezaron a florecer muchos grupos, por lo tant,o floreció una escena creo yo.

¿Hablamos después del 2000, de lo que a la postre se trasformaría en el Club Kinki, por ejemplo?
S: Yeah, si pos, todo pasando! (risas)
Raúl (R): Nosotros con el Arturo teníamos la idea -por que ya conocíamos a Sofía- de tener el grupo y que éste fuera con una vocalista. Encontramos que la Sofía era ideal, por sus letras y todo su encanto. Se lo propusimos y todo pasando también (risas de nuevo). Bueno, los dos teníamos Intersecs; yo tenía -por mi parte- Ghost in the Machine y teníamos Visiona, pero queríamos tener esto también por que nos moríamos por hacer electro-disco. Porque somos muy fanáticos de los estilos y nos gusta mantener las cosas claras, bien encasillado y ortodoxo; entonces con Visiona estábamos haciendo un electro-tecno muy oscuro, con Intersecs tratábamos de hacer un electro-disco más tirado al instrumental space y, con esto otro, queríamos proponer un electro-disco bien tecno-pop y dio como resultado Quierostar. Justo en eso llego el boom de Club Bizarre, y tocamos allí muchas veces seguidas, un montón de exposición.

¿Colapsó ya la escena entonces?
R: Si, en realidad la “escena” resultó como una moda y de repente se vino abajo todo, murió y quedaron las personas que realmente sentían la ganas por la música, que les gustaba en electro. No sé, quedó Hija de Perra, Kinderporno o Pornogolossina que igual están haciendo música; Redulce  que salieron después pero que prendieron harto y desde luego Lulu Jam que eran los tatas, que cuando se formó esta escena ellos ya tenían un disco.

¿Lulu Jam son los padres de la escena?
S: Más que nada un referente. Fue algo sin querer, porque nosotros como Lulu Jam veníamos de otra cosa. Nuestros referentes eran Samantha Fox o Rafaella Carrá, no con el electro-pop como tal. En el estudio escuchábamos Kylie Minogue o Gillette, y sacábamos ideas un poco de eso a lo mejor. Después se dio la coincidencia, pues el Gabriel Vigliensoni (ex Lucybell) era una persona bien abierta a sonidos medios eurobeat o al house, además, justo en esos momentos me estaba gustando rapear para hacer fraseos, y bueno la gente de nuestra generación tiene referentes como New Kids On the Block, Sabrina, esas cosas que yo bailaba en un programa del recuerdo de canciones ochentenas (Panorarmix, Chilevision 2002). Y bueno puede ser que algunos niños lo escucharon y dijeron “hagamos algo como esto”, que no es muy cantado, que no se necesita ser virtuoso de ninguna de las áreas, a lo mejor porque escucharon una música que –a pesar de que Gabriel es un tipo demasiado seco- igual podía emularse sin ser groso. Entonces los ritmos eran fáciles de imitar y mis fraseos también eran bien naive, no tenían grandes desafíos musicales como segundas o terceras voces (que ahora si tiene Lulu Jam). O sea, en un primer paso fue muy básico el grupo porque era muy genuino, Gabriel nunca nos impuso desde su conocimiento de la música.

¿Vigliensoni armó a Lulu Jam o la banda lo llamó para producir?
S: Fue una cosa de conocerse varias gentes en el minuto y coincidió, pues yo tenía un grupo de baile, una propuesta así coreográfica como sería después también en Lulu Jam, y que, además yo conocía a una niña que se llamaba Pía Ciccero (MeKano, Mega 2001), que venía de otro programa; en la conversación salió que nos gustaba Madonna, la onda coreográfica y un montón de cosas. Como que justo estábamos conociendo al Gabriel, y además justo la señora de él trabaja en estética y quiso hacer la imagen del grupo. Como que todo se conjugó y, como yo conocía a Taka- con quien a veces cantábamos pa’ las navidades (como que en vez de dar regalos llegábamos y como que cantábamos algo). Por ejemplo el me enseño las canciones japonesas de Candy. Al final, de todo esto armamos la onda. Igual yo antes tenía una banda que se llamaba Canción de amor desea verle, que era un grupo performático sin bases, con puros fraseos, referencias a comerciales y a la cultura pop. Entonces igual ellos cachaban que yo cantaba y decían “préstate una letra”. Como que un día yo iba a ir a Rapel y me quedé esperando en el paradero como cuatro horas, entonces me puse a escribir unas letras, después las presenté y como que con Gabriel al tiro hicimos un tema de eso y funcionó.

Yo pensaba que prácticamente habían hecho un casting para trabajar un producto ya pensado de antes… más aún a la luz de los biotipos de los participantes y sobretodo ante la conocida oreja comercial del productor.
S: Parecía eso porque como dos niñas éramos como “de la tele” –aunque yo igual era un espécimen medio raro que no encajaba bien en la norma-, sin embargo, si él hubiera querido trabajar más hacia lo comercial, como Supernova o ese tipo de cosas, hubiera trabajado más hacia el pop, y lo nuestro era pop súper experimental, sin coros tan ganadores. Nunca nos impusieron así como “oye, esto pa’ levantarlo hay que ponerle una segunda voz porque sino no es oreja”, nunca nos dijeron nada así. Estábamos como creando. De hecho una vez yo me equivoqué y como que le dije al Gabriel “Ay! Tu sabes tanto, tu eres como un profe para mi” y él me dijo “Ándate a la mierda, como voy a ser un profe si estamos de tú a tú acá trabajando”. Igual el grupo no era tan de escritorio y maqueta, porque igual yo y los otros niños éramos los compositores y letristas de todos pos. Las canciones llevan las firmas de todos, no era una sola cara. Igual yo se que la gente a veces prefiere creer eso: igual tengo los ojos azules y alguna gente habla “la cuica, la pelolais”, no sé cualquier cosa. Y na´ que ver pos. Y de eso“Bombombéame”, “Si quiero te lo doy”  “Chocolate Bom” fueron las más conocidas del primer disco (Corazón Caliente, Warner 2003).

Ahora recién vamos a sacar el próximo disco. Viste que se fue Pía Ciccero, tuvimos que retrasar todo. Después se fue el Taka, y volvimos a retrasar todo y, recién en enero, terminó de grabar las canciones el nuevo vocalista. Entonces han sido crisis, así en lo laboral con los horarios. El Taka lleva una vida de profesión, de casado con señora y con hijos, además tener una vida de “popstar” no resulta. En algún momento choca y tenís que decidir: por ejemplo, los fines de semana, si vas estar con tu hija o estar con unos hueones que van a ganar poca plata. Es bien sacrificada la onda. Bueno, entonces después entró Nara que ya lleva más de un año, y Jaimerecién como vocalista.

¿Cómo ves el Lulu Jam de acá en adelante?
S: Evolución igual. Pero Lulu Jam más que la gente es un concepto, de un grupo con baile y coreografías, con una determinada estética o temática, y ellos aportan desde su visión nueva. La Nara tiene carrera solista como Anish y Jaime también.

¿Uds creen que la escena sobreviviente al reventón electro podría tener continuidad un poco en Freddy Michel o AdrianIgual?
R: No se la verdad. Creo que se tiran más a algo electropunk por decir algo…
S: No los he escuchado, yo cacho que las KinderPorno quieren sacar su disco ahora, o a Muá.
Arturo: KinderPorno, aunque siguen en la misma línea mas pornoclash, les gusta hablar sucio así como reírse feo a propósito, bien trash.

¿Pali?
S: Si, aunque ahora se fue más pa’ la onda pop rock. Él estuvo en la escena y como que se hastío igual, porque la “escena” era re pobre. No iba a actuar con Tiga acá en Chile, que es lo que yo creo él esperaba. Entonces el cachó que igual por ahí no iba la cosa, por lo menos en este país. No sé, a lo mejor pensó que iba a hacer de su volá electropop algo más comercial y tampoco le resulto pos.

Ahora esta el Luppi con la Dadalú, no sé, son auténticos pos. Igual mucha gente asocia electropop con juego y que es todo rosado y con corazones y globos, y pa’ alguna gente es eso nomás.
S: En Club Bizarre tocaron todos estos grupos, y este ¿habrá durado como dos años? desdeQue Out -que vinieron desde afuera, Ignacio Redar -hoy parte de Redulce-, Pornogolossina, Anish, KinderPorno, Muxik (Argentina), Hija del Terror, Televissa o Prissa o también Ramona Love… incluso hay un documental de esto. Otro Grupo era Fatal, también Fiancé. No nos olvidemos de Taxi Boy.

¿Ustedes producían Club Bizarre?
S: No, nosotros tocamos varias veces, con Lulu Jam, Quierostar y hasta canté yo sola, pero producían los dueños del Club. El Raúl y el Arturo eran djs residentes de Bizarre, por eso parecía que eran parte de la producción, pero eran empleados nada mas (risas)… a lo más daban ciertas recomendaciones como Hong Kong Counterfeit (Junio 2006).

Me llama la atención que, a pesar de la madurez que veo en ustedes como banda (en la imagen que veo en la web), aun se les conozca poco.
S: Igual nos hemos demorado ene en sacar el disco.
R: Debe haber sido por el efecto que causa la gráfica que hizo la Pia Mansur, que es tan linda, que se la juega por un aspecto así muy GUAU!, muy pro. Bueno ella no sólo nos ayudó con la gráfica, sino que nos ayudó muchísimo con encontrarnos, como en dirigir las discusiones sobre que estilo queríamos. Nos ayudo un montón como en la consolidación el concepto…

¿Cómo empieza entonces QuieroStar?
S: Todos coincidimos con una amistad bien bacán entre nosotros. En realidad como que ya nos aburrimos de contar la anécdota de que en la navidad del 2003, cuando ellos dos me pasaron la cinta, mientras abríamos los regalos y cuando yo la abrí me dijeron que tuviéramos este proyecto y que yo fuera la vocalista de su grupo. Y dije que si pues. Esa historia resume el ambiente así íntimo medio familiar, en que nos encontrábamos sincronizados como para hacer esto. No fue que alguien desconocido me llamó para integrarme, sino que estábamos veraneando juntos esos años y fue una cosa amistosa, como que a todos nos gustaba esta música, y vimos que era posible, y acá estamos no más.
Arturo (A): Si igual hemos estado aquí todo este tiempo. Tenemos una estética bien hecha que nos respalda. No creo que haya pasado mas de un mes sin que hayamos tocado.
S: Ahora estamos a punto de sacar nuestro disco que se va a llamar “Amistades Pasajeras”, que es además una de las primeras canciones que hicimos, y que le gusta mucho a la gente.
A: Vamos a tratar de armar nosotros nuestro sello, que se va a llamar Metavarón, Y lo vamos a inaugurar con nuestro disco. Después queremos sacar otras cosas, pero más como net label a través de Internet. Pero este disco de QuieroStar será así físico en un CD. De repente en Metavarón nos interesa armar compilados de otros proyectos nuestros y de amigos, como Intersecs, Visiona, Ghost in the Machina, o que salga el Diego Morales, 990, Julia Rose y otra gente más, de repente de otros países.

Háblame de la conexión que tienen con esa gente de otros países, como Hong Kong Counterfeit
A: Les escribí en el myspace, y logramos amistad, y se pudo traer a los cabros nada más. Después la vocalista de HKC nos contó que estaban haciendo un compilado de remezclas y covers, y nosotros hicimos un cover de ellos en castellano, que pegó caleta y le gustó a la gente, de un tema que se llama “Rayos X” (x-ray eyes). También ellos hicieron una remezcla de nosotros del tema “Vamos a la Playa” que la Katia (de HKC) cantó en inglés. Y a La Prohibida la cachaba por el Fotolog -es como la reina del fotolog- y cuando vino ella hizo la movida pa’ que tocáramos en Valpo juntos, y en eso hicimos una canción que viene en nuestro disco, que se llama “Panamérica”, y se supone saldrá en el tercer disco de La Prohibida, que será como de rarezas según ella.

¿Qué se viene a futuro luego del disco?
A: No sabemos nada, Tratamos de terminar de equipar el estudio, etc. Lo del disco más que nada. Igual ha habido harta gente interesada, pero queremos tener el disco para poder promocionar. Hemos salido -ponte tú- en revistas en Venezuela y nos querían llevar. También por myspace. No sé, nos hablan de México, o de ir a Sao pablo.
S: Ahí tocamos una vez también, y yo una vez fui a Alemania y canté las canciones de QuieroStar, pero sin ellos (Raúl y Arturo).

¿Sigue algún concepto el disco?
R: Yo creo que nos gustan el sonido de principios de los ochenta, los sintetizadores antiguos, nos gusta la estética de fines de los setentas.
A: Y eso nos diferencia de otros grupos mas chicos que no conocen esos referentes tan viejos. Se apegan más al electroclash o a los grupos electro-cutres españoles, como Súper Puta, y gritar cualquier tontera encima de cualquier base.
S: Igual nosotros hacemos un trabajo más serio de temática, pero no más grave, por así decirlo. Rstamos hablando de cosas no a la loca, tenemos un colador. Por ejemplo pa’ este disco no hay ninguna letra de amor sino que la historia de una galla. Esta tipa era una millonaria, así con muchas joyas heredadas y todo eso, y que le gustaba mucho el hedonismo, tenía amistades pasajeras y cosas así. Como que iba a fiestas y la adulaban, y luego después no pasaba na` con la gente, entonces todo esto la llevó a un vacio espiritual y una decadencia. Entonces como que se drogó, se tuvo que prostituir, primero como bailarina de una boite exótica y luego como una prostituta propiamente tal en unos callejones. O sea la galla cayó en decadencia y se perdió, como Laura Palmer (Twin Peaks), entonces aparecieron unos detectives a buscarla… y toda esa historia cruza el disco. Además, a nosotros nos encanta la onda del espacio, y esa onda aparece también en el sonido, en la estética de las letras (que las conversábamos entre los tres también).
A: Al principio las primeras canciones fueron unas adaptaciones grupales de algo que ya había escrito la Sofía. Después ya empezamos a trabajar más divertidos entre todos, inventando las rimas y todo eso. De hecho la Pía interpretó toda esta historia en la que hemos amado las canciones, le mostrábamos un montón de referencias visuales.
S: Teníamos esa canción “Vamos a la playa”, y nos sacámos una foto en traje de baño y ella armaba la playa.
A: Hizo un diseño tributo al diseño original de ese disco que es de Righeira.

¿Y dentro de esto que significa QuieroStar?
S: Ser wannabe (N del R: del inglés querer ser/estar)
A: Es como querer formar parte de algo, de algo social, de una élite.
S: De cuando te queris codear con alguien que esta en un estatus más arriba que uno.
A: Tiene que ver con querer estar siempre en todas, en todos los eventos, con los más taquillas y top del momento.
S: También en Club Bizarre una vez había un niñito como de 16 años carreteando, y como que la amiga lo llamaba que saliera de la ventana y el niño decía “Noo, yo quiero estar allí, yo quiero estar allí” y eso nos dejó bien impresionados la verdad y lo repetimos constantemente (risas).
R: El disco lo tenemos hace ene rato terminado, y no lo hemos podido lanzar por un tema de que aún no lo hemos podido mezclar bien ni masterizar correctamente. Por un tema de que no tenemos aun los monitores, y que lo hemos tratado de masterizar con otras personas y no queda como nosotros queremos.
A: Ya tenemos un video, que se llama “Luces de Neón” y que sale la galla esa que decía la Sofía hace un rato, que incluso ha tenido hartas visitas en youtube . Y ahora queremos armar otros videos pal lanzamiento, aunque el disco sigue siendo la primera prioridad.

 

Rosario Gonzalez y Pablo Muñoz dirigen documental de Gepe y Mena

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2007, dic 19 /indie.cl

unisono1
 

Se dijo que el año 2005 fue de Gepe y que el 2006 de Javiera Mena. Al menos en los medios (desde webzines hasta 24 hrs TVN) fueron presencia constante, amen de chisme, lanzamiento o tocata.  Antes del 2005 se escuchaba el ruido, pero no se veían las piedras en el río. Justamente lo que pasa entre ambas fechas es lo que queda tácitamente registrado en “Al Unisono”, documental que muestra el destape de ambos músicos al panorama musical santiaguino, y por que no, mundial. 

Entrevista a los directores de “Al Unisono”, Rosario Gonzalez y Pablo Muñoz:

Que bueno que nos juntamos  

Sin la menor intención ni diseño terminan hablando frente al público en el estreno de un documental. Nadie nunca imaginó que la fábula de “tengo un amigo que lo/a conocía y nos topábamos siempre sin saber quienes éramos” se cumpliría nuevamente.  Y el asunto esta vez fue bien simple: Pablo Muñoz (28, Ingeniero de Sonido, parte de $990) vivía con una amiga de Rosario González (27, Comunicadora Audiovisual), quienes además de amigos compartían compañeros de trabajo en el área publicitaria. Un buen día Pablo le propone a Rosario grabar en vivo unas bandas y le pasa un disco con canciones de Gepe, Javiera Mena y Perroski. Ella no conoce las bandas pero va, siguen grabando, hasta que el devenir de las cosas les muestra que no sólo se juntaron ellos como equipo, sino también Daniel Riveros, Javiera Mena y Diego Morales. En este momento es donde sale Perroski de escena y entra Morales como artista de reparto permanente, el momento donde se define que esto si es una historia que documentar, y que termina dos años más tarde, con el mismo equipo lanzando el primer disco editado por la Mena, “Esquemas Juveniles”:

Rosario: Un día llegó el Pablo, a contarme que iba a tocar la Javiera en el Normandie (el 10 de septiembre del 2005, junto a Joseph Costa (L’altra), Charlie Cooper (Telefon Tel Aviv) y Marc Hellner (Pulseprogramming)

Pablo: Era la primera vez que iba a tocar así como en un teatro y no en un bar,  y justo yo disponía  de unos equipos que permitían grabar  el asunto por pistas, pa después poder mezclarla. Entonces  se me ocurrió preguntarle a la Rosario si quería filmarla, y así hacíamos algo donde   yo ponía el audio -un poco más profesional con ambiente, full pistas, etc-, y ella que se preocupaba del video, y así empezó el documental

R: Divertido porque cuando llegó el Pablo yo no conocía a la Javiera más allá del nombre. Sí sabía que era buena, que  existía, pero no sabía quien era. Fue raro cuando llegué al Normandie por que ví que era una niña, que era más chica que yo. Entonces Pablo me prestó música de la Javiera,  Gepe y Perroski, empezamos a ir a todas las tocatas de ellos tres, en un inicio el asunto no era un documental sino un registro de ir viendo que pasa,.

P: De repente en  el diálogo con la gente salió la idea de hacer un material un poco más planificado, y que era bueno pues ya habíamos ganado tiempo filmado, entonces teníamos material desde harto antes que nos propusiéramos que esto era una historia.

¿Solo material en vivo?

P: Por ejemplo íbamos a una tocata, alguien los entrevistaba y nos poníamos al lado, agarrábamos cuñas. Y por lo mismo sacamos a Perroski, por que si queríamos armar una historia, tenía que ser entre ellos dos que tenían mucho más en común. En ese momento nos concentramos en esto y empezamos a hacer entrevistas.

R: una vez nos entrevistaron y aún no teníamos idea de qué se trataba. Sabíamos  que hacíamos algo, la información estaba volando, pero cuando nosotros empezamos a hacer las entrevistas se concretó finalmente la historia. En un momento pensamos postular a un fondart y ahí nos planteamos la idea “esto en algún momento lo va a ver alguien”, y recién le tomábamos el peso a alo que estábamos haciendo.

P: como que al principio era un ejercicio nomás, tal como yo trabajaba grabando cosas y ella trabajaba filmando, de repente por que no lo aprovechábamos en  grabar gente que nos gustaba, que quedara bueno, así aprendiendo en el camino un montón de cosas, desde como manejarse pa que te dejen  grabar una tocata, hasta los mismos planos que íbamos haciendo.

R: además como todo era tan espontáneo, no planificado, esos primeros meses marcaron para adelante como iba a ser, ya sea el formato, por ejemplo, no hay nada  iluminado a propósito, es súper precario en términos de producción. Pero igual eso  le da una línea, nos preocupaba más  poder contar la historia, y que las tocatas estuvieran  bien registradas en calidad.

¿Cuándo empezaron a hacer los registros?

R: El primer día que fuimos a la tocata del Normadie.

P: y en ese momento es jevi darse cuenta que en esa  tocata están súper nerviosos, porque no están acostumbradas a esta cosa nueva, era la primera vez que tocaban los tres juntos,  cuando la Javiera recién los invita a tocar

R: era todo nuevito

¿En que momento se dieron cuenta que había una historia que querían contar?

P: cuando partimos,  si bien eran conocidos,  no había aun una explosión tan mediática, y darnos cuenta  que eso iba sucediendo en paralelo a que nosotros íbamos filmando, iba como dándole  más peso al material que teníamos de antes, y eso mismo nos hizo darnos  cuenta que estábamos registrando un momento de cambio jevi pa los dos, como que la Javiera pasara del amateur a sacar un disco con Heyne, o el Gepe  que empezamos a grabarlo cuando tocaba con Taller Dejao, que claramente era más importante que Gepe solista. Y después lo de ahora, que se acabara Taller Dejao y Tele-visa, que pasaran cosas que quizás no pasarían con tanto vértigo en los próximos años, como que ahora ya esa establecido, y en ese momento el cuento de ellos podía apuntar para cualquier lado.

¿Entonces ustedes no eran  fans, o ya olfateaban que algo venía?

R: sabíamos que eran buenos, yo no los conocía, los fui conociendo a medida que iba a grabando, y me convencí de que eran bacanes, que me gustaban, jaja

P: yo me acuerdo  que estaba ensayando con la Javiera, como hace cuatro años, y me dice “cacha lo que me regalaron”, y me muestra un cd grabado  que era el 5×5, que se lo había pasado el Gepe… que eran como recién conocidos,  y era bacán, y en eso empezó como a talonear a la Mena y de alguna manera te das cuenta que el telonero tiene como la misma potencia del plato fuerte, aunque lo del Gepe es como más corto, lo de la Mena ya lleva como 7 años.

¿en algún momento les informaron a ellos que los iban a empezar a seguir para el documental?

R: Nunca nos presentamos ni nada

P: No, en realidad siempre les dijimos “estamos haciendo un documental” y no les importaba mucho tampoco. Yo había tocado con la Javiera como un año y medio en su banda, aparte yo le grabé el primer disco, uno acústico de demos que da vuelta por ahí, y entonces la conocía hace rato y fue súper cómodo.

R: y yo te creí a ti, onda grabemos estos locos, son buenos, vamos… le compré.

P: El documental es súper precario en ese sentido, al principio no teníamos ni cámara, la pedíamos prestada, y después llegó el  computador, y eso marco así un cambio (jaja)

R: yo editaba en el computador de la pega, que era más bacán,  armaba las cosas y las  llevaba en dvd, todo un ejercicio muy casero.

P: Al principio íbamos con el puro audio de la cámara, todos los backstages y las entrevistas era el micrófono de la cámara, que es algo imperdonable pa un sonidista que se precie de tal

Rosa: hay tomas que están súper oscuras, jaa

¿los siguieron en las giras?

Ambos: No (seco)

P: No nos movimos de Santiago. Por ejemplo, iba Gepe a tocar a Argentina  y nos conseguimos amigos que grabaran allá y nos mandaran el material

R: Hay mucha gente que ayudó, habían otros locos que filmaron caleta a Taller Dejao (Sebastián Paez, de Nerco) que tenían kilos y kilos de cintas, que los siguieron dos o tres años, que los deben haber seguido pa todos lados, y nos dijeron “tomen, hagan lo que quieran con esto”, y esta todo el material en el documental. Y bacán, por que nosotros solo alcanzamos a grabar la última tocata de Taller Dejao en El Living.

P: un día nos llegó un mail, de un tipo argentino que nos decía “supe que están haciendo un documental de la Javiera, y como ella viene ahora a Argentina y yo tengo un HD y si los puedo ayudar ustedes me dicen”, y le dimos una lista de cosas que tenía que grabar. Y resultó ser el hermano de uno de lo Índice Virgen (sello de la Mena en Argentina), entonces tenemos la travesía desde que la fue a buscar al aeropuerto.

Rosa: aparte que se ve  bacán por que era la media cámara, es mejor que la de nosotros, lo mismo las de Taller Dejao, JAJAJAJ. Como que full profesionales, todo lo que nosotros no habíamos sido. 

Bastante se ha dicho de estos músicos, y no necesariamente de sus discos: Javiera Mena hablando de Ketamina en The Clinic, o de sus parejas en Paula, de la publicidad de El Mercurio con música de Gepe (una versión de “La enfermedad de los Ojos” http://www.youtube.com/watch?v=OaiTAJSIF_0  ), o la venta de los derechos fonográficos de la canción “Esquemas Juveniles” para un aviso de Falabella (http://www.youtube.com/watch?v=JSOhTnyTf9o),  ruido de media nada novedosos por lo demas:

En su tiempo se decía que la Mena era la promesa del Rock Nacional

P: hay material del 2001 en adelante guardado,  de antes del reventón,  cuando decían que era  Violeta Parra mezclada con Stereolab (jaja) y eso también es bacán, por que te vas dado cuenta que los locos  han ido cambiando caleta. Una vez entrevistamos a David Ponce, y el hacia el resumen de las influencias de la Javiera Mena y ahora si tu ves no hay nada de las cosas que el nombra, ahora es otra cosa.

R: Aparte tenemos tocatas donde no son estos personajes que son ahora, se ve toda la  transición de imagen, de discurso

P: tu  ves a hora que la mina se para y dice “ustedes son mi público”, esa gueá hace dos años era impensable, la mina tiritaba cuando le preguntaban algo, y tenia otra pinta, otro set de instrumentos, otro sonido.

¿ El documental toca hype generado en torno a ellos?

R: al final es uno de los tantos temas que se tocan, nos dimos cuenta que al final no era tanto, que  daba lo mismo un poco.

Pa: ahí le hicimos una entrevista muy buena a Gonzalo Planet y a Cadenasso de Matorral, quienes fueron la voz mas desconfiada que tenemos en el documental, y hacen como un contrapunto de todos los otros que tienden  a ser mas fanáticos. En cambio ellos desconfían y tiene puntos que uno comparte también, tocan el tema del hype, los públicos target, que quien fue manager de la Mena sea programador de dos radios, que David Ponce le gusta la Mena y por eso fue portada de Wiken aun sin sacar un disco, y todo ese tipo de cosas.

¿Ellos han visto el documental?

Rosa: No

P: Ellos no han visto nada

R: aparte yo creo que ninguno se imagino que esto estaría en un cine.

P: como que hicimos todo el armado del documental primero, sin ellos, sin la entrevista final, y una vez que teníamos eso, hicimos el cuestionario pa pregúntale en esta última, como la voz del presente. Como que ellos miraran para atrás todo esto que estaba registrado

R: Las fotos del final fueron como lo único más íntimo que tuvimos con ello, en cuanto a tenerlos allí en una  entrevista, de hecho fue lo último que grabamos

¿Planes a futuro?

R: Yo quiero tener plata pa comprarme una cámara, que seria el próximo paso,

P: ojala tener la plata pa hacer esto bien,  por que hicimos todo en este documental, desde la gráfica, el montaje, los subtítulos, todo en el pc de la rosario, cada uno investigando en foros como se hacía, como trasformar cuando te llegan las cosas en otro formato, no delegamos  nada a nadie.

R: Seguir trabajando juntos,  eso queremos, somos buena dupla, ya te salió una vez, es difícil encontrara a alguien con quien trabajar así. Ahora estamos viendo si un distribuidor nos distribuye, esa sería la próx

ima estación. Por el momento nos llamaron del In-Edit para hacer un Work in Progress, pero  como estaba casi listo, grabamos la última entrevista, metimos chala y acá estamos.

P: Por el In-Edit lo cerramos finalmente, además que habían cosas muy distintas al momento que estábamos teniendo, que cada vez se estaba  pareciendo menos a lo que teníamos registrado, 

y se estaba perdiendo la poca vigencia que tenia, así que había que sacarlo ahora , era hora.  

 

JOSÉ GONZÁLEZ ADELANTA SU PRÓXIMA VISITA

Filed under: Uncategorized — Etiquetas: — zuricato @ 2:12 am

2008, 18 enero /POTQ.CL 

 

jose gonzalez por Hixaga
jose gonzalez por Hixaga

 POTQ.CL estuvo al teléfono, en exclusiva, con el cantautor de origen argentino y residente en Suecia. En una conversa tan profunda y a trasmano como pueden permitir 15 minutos de un llamado de larga distancia.

De un día para otro, Chile aparece como destino inamovible en la agenda musical de visitas internacionales, situación que justifica –de cierta forma- dos presentaciones del mismo artista en menos de un año. No hablamos de un “éxito del ayer” como Shenna Easton, sino de José González, que regresa de la mano del tour de presentación de ‘In Our Nature’, su última placa lanzada hace 4 meses.  

¿Qué impresión te llevaste de la primera venida en Junio? ¿Tienes expectativas para esta nueva visita?

José González: Me encantó, fue una de las mejores, muy cálida, me alegra volver, ojala esta vez sea bastante parecida ¿no? (risas). La presentación será bastante similar, pero ahora con el foco en las canciones del disco nuevo

¿Ha resultado pesada la Gira de ‘In Our Nature’?

JG: Ha sido pesado, no sé si lo haría de nuevo, teníamos la idea de tocar en todo el mundo al mismo tiempo, en 35 países desde que salió ‘In Our Nature’ (Septiembre de 2007) y recién ahora paro un poco en casa. Traté de ir a todos los lugares, es lindo conocer países nuevos, para otra vez trataré de no seguir este ritmo, se transforma en un trabajo y no hay tiempo para hacer cosas creativas, afortunadamente después de la gira por Australia tuve unas vacaciones de una semanita.  

¿Cycling Trivialities?

JG: Si, si, la escribí pensado en algo por el estilo. Cuando uno se mete en una situación sin poder salir del circulo, cuando se pierde la perspectiva frente a los date to date habits.  

Sin embargo, pasaste por late nite shows importantes como Jimmy Kimmel Live o Late Night with Conan O’Brien (NBC)

JG: Fue gracioso, uno está tres horas esperando y luego ya está listo, sólo fue una canción, fue como espectáculo nada más (risas) POTQ: ¿A Chile llegas con tu banda? JG: Estaba tocando con unos amigos en apoyo para la percusión y canto, pero ellos tienen una banda y no podían acompañarme en estas fechas, así que iré yo nada más.

¿Qué pasa con tu banda paralela, Junip?

JG: Tenemos ganas de hacer algo este año, después del verano, en septiembre u octubre. Teníamos música un poco armada y ojala salga próximamente. Debemos darle un aire de repente a “In Our Nature” (risas)  

¿Haz escuchado cantautores latinoamericanos contemporáneos como Jorge Drexler de Uruguay, Gepe de Chile o Coiffeur y Juana Molina de Argentina?

JG: No, no he puesto atención en lo que está pasando ahora mismo.  

¿Algún mensaje para quienes te veremos el 24 de enero?

JG: Con que sea como la otra vez estaremos contentos, así de bien. Como te decía, esta vez, llevamos un poco más de canciones del nuevo disco.

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